Voca People : oui, les people de la planète Voca reviennent faire un tour sur Terre.

Leur ovni musical vient de se poser à Bobino et ne décollera pas avant janvier : profitez-en !

La performance de cette troupe israélienne dont le succès s'est construit sur internet et en Italie, est époustouflante.

Ils sont 8 et chantent a cappella : avec une sono d'enfer mais pas un seul instrument, deux d'entre eux qui jouent de la langue les “boîtes à rythme”, et bien sûr toute la gamme des voix de la basse et baryton jusqu'à l'alto et soprano, ces 8 extra-terrestres semblent sur scène, tour à tour, un véritable choeur symphonique ou un groupe de rock déchaîné.

Leur spectacle est désormais bien rodé (trop ?), amusant, plein d'humour, le public est conquis d'avance, le show fait le plein d'énergie, toute la salle finit debout, rien à redire. Ils enchaînent sans temps mort, les pots-pourris de classique, rock, musiques de films, tout y passe ! À chacun de jouer à reconnaître les siens !

Rançon du succès, on regrette presque que la mise en scène du show, très travaillée, nous laisse à peine le temps d'écouter leurs performances vocales. Certains passages magnifiques [le carmina burana, l'ameno dorime, ...], demanderaient un peu plus de temps pour nous laisser le temps d'apprécier pleinement la “musique”.

On a particulièrement apprécié l'hommage à Queen, remarquable, ou la séquence “house music” finale, suprenante.

Sur leur site français, ne manquez pas d'écouter la bande annonce audio sur la page d'accueil (de bonne qualité).

Après avoir beaucoup ri (c'était il y a 4 ans) à l'occasion d'un Tour du monde en 80 minutes, il nous fallait suivre les nouvelles aventures de la petite troupe de Sébastien Azzopardi sur les traces de Florimont.

Le principe est le même : un prétexte historique propice à toutes sortes d'anachronismes, un humour déjanté plein de non-sens, un brin de potache, quelques chansonnettes, et le tour est joué et bien joué.

Est-ce la scène devenue trop grande (rançon du succès ...), est-ce l'effet de nouveauté qui ne joue plus ? Toujours est-il qu'on sourit et qu'on s'amuse sur les traces de Florimont alors qu'on se bidonnait franchement derrière celles de Phileas Fogg. Bien sûr on ne se rappelle plus mot pour mot le texte du Tour du monde, mai celui de Florimont nous a semblé un peu vite écrit⁽¹⁾.

Et pourtant ce spectacle vaut le déplacement ! Oui, car on ne peut pas s'empêcher de se laisser entraîner, emporter, par la fougue et l'ethousiasme des cinq comédiens (soit à peu près trente personnages !) complètement déchaînés sur scène.

Ils s'amusent et nous amusent.

D'autant que ce soir-là, c'était la dernière pour l'un deux et qu'ils s'en sont donné à coeur joie, rivalisant de pitreries et d'impros, chaque gag étant souvant prétexte à désarçonner le collègue. Foux rires garantis, sur scène comme en salle.

Au-delà du texte inégal on l'a dit, la troupe de Sébastien Azzopardi (il jouait Florimont ce soir-là) tient là une excellente recette.

Les acteurs "tournent" selon les soirs, mais ce jour-là on a remarqué la fraîche Aurélie Konaté qui n'hésite pas à pousser la chansonnette.

Et l'incroyable Erwan Creignou capable de jouer à lui tout seul une armée entière de soldats qu'on dirait tout droit sortis d'un album d'Astérix : stupéfiant !

Pour être franc, on avait quand même préféré dans la même veine fin 2010, les 39 marches d'Alex Métayer.

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(1) : beaucoup de liaisons explicatives par exemple, qui cassent un peu le rythme qui se devrait endiablé

Le soir d'un réveillon, trois hommes, trois quadras, se retrouvent au commissariat pour infractions.

L'un avait bu un petit peu trop, l'autre avait fumé là où il ne fallait plus pas et le dernier conduisait un peu trop vite. Boire, fumer et conduire vite.

Trois interdits symboles de notre époque où s'épanouit le principe de précaution.

Trois interdits “bravés” par ces quadras d'une génération qui n'a pas connu mai 68.

Nous qui sommes habituellement frileux (et sans grande pitié) vis à vis des textes contemporains trop hâtivement bricolés, nous avons été agréablement surpris par cette pièce remarquablement équilibrée.

Le texte entre théâtre et café-théâtre, capture l'air du temps comme on dit, nous donne à réfléchir, un peu, mais sans donner de leçons sentencieuses.

L'humour est toujours présent et l'on sourit très souvent, on rit même parfois et de bon cœur.

Saluons la prestation de Christian Vadim qui fait le pitre, sans fausse note, pour notre plus grand plaisir.

Philippe Lellouche (auteur du texte et frère de Gilles) et David Brécourt sont également parfaits dans des rôles [un peu]  plus sérieux.

Les trois compères s'amusent (quelques fous rires sur scène !) et nous amusent.

Après quelques dialogues percutants, leur avocate commise d'office survient⁽¹⁾ ... et son angélisme donnera lieu à quelques coups de théâtre bien surprenants. Le pari est osé, le ressort improbable mais, étonnamment, cela fonctionne parfaitement.

Comme tous les spectateurs, on a promis-juré de ne rien en dire et il vous faudra donc aller voir la pièce pour en savoir plus.

Après les prolongations parisiennes, ils sont partis tourner “en province” : profitez-en.

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(1) : Vanessa Demouy a été remplacée par Marie Fugain qui ne maîtrise pas encore la pièce mais cela reste sans gravité car son rôle est effacé derrière les trois compères

Après le Dindon, voici la Cocotte ...

Quand Sacha Guitry écrit sa première pièce, Nono en 1905, il n'a que vingt ans.

Autant dire que ce texte de jeunesse n'a pas encore la maturité des suivants.

Nono, c'est l'histoire d'une “cocotte”, une belle jeune femme entretenue par ses différents amants.

Ou plutôt l'histoire de deux de ses amants, deux amis qui n'arrivent pas à se partager les charmes faciles et les délicieux caprices de la belle.

Nous voici donc à la fin de la Belle Époque, en pleine comédie boulevardière.

Guitry est réputé pour sa soi-disant misogynie : au-delà des bons mots et des réparties à l'humour grinçant, il est tout autant misogyne que pouvait l'être, dans un tout autre registre, Charles Bukowski. Tous deux font partie de ces hommes qui disent pis que pendre de l'autre sexe mais qui ne peuvent s'en passer une seconde. Et qui cachent le discours de leur vérité derrière une bien mince façade : la grossièreté de Bukowski ou l'humour de Guitry.

Tant la mise en scène que la conclusion de Nono ne laissent guère de doute sur qui est le personnage central de cette pièce dont le titre n'est, lui aussi, qu'une façade.

Précisément, c'est Michel Fau qui met en scène et interprète le rôle principal : celui d'un des deux amants de la belle Nono, un rôle que tint lui-même Guitry en 1910.

Le texte, on l'a dit, est encore loin des sommets qu'atteindra Guitry, on sourit de temps à autre (quand une bonne partie de la salle rit franchement) et ce n'est pas la présence de Julie Depardieu, aussi transparente et vaporeuse que ses tenues (soyons gentils, on dira que c'était son rôle, sans doute) qui apporte quelque chose.

Non, s'il faut aller voir cette Nono au théâtre de la Madeleine, c'est avant tout pour Michel Fau.

Nous ne le connaissions pas jusqu'ici mais nous nous sommes regardés à la fin de la pièce pour nous rendre compte que tous deux, nous étions restés suspendus pendant deux heures aux lèvres du bonhomme. Sa diction est très particulière (elle pourrait d'ailleurs agacer certains), un peu monocorde, presque grinçante ou criarde, proche de que nous aurait donné Devos par exemple, et ici en accord parfait avec le texte.

Il joue comme détaché de la pièce et de son personnage, interpellant le public, quelque part à mi-chemin entre son personnage et le narrateur (il est d'ailleurs également le metteur en scène), nous laissant entrevoir Sacha Guitry lui-même.

Stimulés par cette dimension et ce second degré, on ne s'ennuit pas une seconde.

On dit souvent que c'est le bon texte qui fait l'essentiel du théâtre réussi : Michel Fau nous prouve ici le contraire.

C'est vraiment savoureux et c'est pour lui qu'il fallait faire le détour.

Feydeau est une valeur sûre. Surtout quand la mise en scène arrive à dépasser le ronron boulevardier d'un XIX° très bourgeois.

Et c'est bien le cas de ce Dindon qui glougloute⁽¹⁾ dans la cour de la Cartoucherie au Théâtre de la Tempête sous la direction de Philippe Adrien.

Le théâtre de Feydeau et de ses portes qui claquent est inévitablement comparé à un mécanisme d'horlogerie. Et c'est bien cette mécanique, au sens propre, que Philippe Adrien a astucieusement mise en avant avec plateau qui tourne et portes qui virevoltent sur la grande scène du Théâtre de la Tempête.

Le premier acte est superbe et l'on jubile à voir les comédiens (tous excellents) s'empêtrer à qui mieux mieux dans un échafaudage de mensonges de plus en plus branlant, avec un texte revigoré (!) où sont savamment mis en avant les sous-entendus les plus osés.

Il suffit de quelques minutes et le personnage le plus truculent, le futur dindon joué par Eddie Chignara, se met à danser le haka sur scène pour charmer la belle ... son énergie et sa maîtrise sont époustouflants et toute la salle applaudit. C'est gagné. On est avec eux.

...

Malheureusement, la pièce s'alourdira ensuite avec de nouveaux personnages, de nouveaux lieux, ... le charme fragile sera bientôt rompu. Il faudra attendre les scènes finales pour que la magie revienne peu à peu. C'est bien dommage car on en vient à regretter que les efforts des acteurs et du metteur en scène ne soient finalement pas mieux servis par un texte un peu trop long.

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(1) : oui le dindon ne gougoule pas (ça c'est nous) ; j'ai vérifié sur wikipédia et remplacé mon roucoule initial (oops !) par ce glougloute

Ce week-end nous sommes montés au Paradis.

C'est le nom de la troisième petite salle du Lucernaire, au-dessus du théâtre Noir, au-dessus du théâtre Rouge, tout en haut des escaliers en colimaçon, dans les combles de l'immeuble de la rue Notre-Dame des Champs.

Pour y voir Nunzio, un texte de l'italien Spiro Scimone, une pièce dont on avait lu le plus grand bien, au point que certains citaient même Beckett ou Steinbeck.

Las, le texte de Spiro Scimone n'est quand même pas tout à fait à la hauteur de ces (trop) illustres références.

Reste que les deux acteurs qui portent ce texte, Christian Abart et Christian Lucas, sont formidables (et dans cette toute petite salle ils ne sont qu'à trois ou quatre mètres de nous ...).

On est en Italie. Christian Lucas est Nunzio, un grand type un peu simplet qui tourne en rond en attendant, non pas Godot, mais son pote Pino. Arrive Pino : mauvais garçon⁽¹⁾, un peu coincé, un brin obsessionnel.

Tout deux partagent une même solitude et les mêmes rêves inaccessibles : les plages de sable blanc et propre du Brésil ou d'Australie là où, je cite, les femmes ont le maillot de bain qui passe dans le cul.

Tout se joue sur la relation et l'amitié entre ces deux meurtris de la vie (l'un à cause d'un cerveau trop léger, l'autre à cause d'un père à la main trop lourde). Mais le texte mériterait d'être plus incisif, les personnages plus à vif.

Reste, on l'a dit, deux acteurs formidables et étonnants de maîtrise : la scène de beuverie où ils se murgent tous deux consciencieusement est un modèle du genre alors qu'elle pourrait justement se prêter à tous les excès et débordements.

Et puis lorsque Pino se lâche (en cachette de Nunzio bien sûr) pour danser la rumba et fredonner des airs brésiliens, on touche à des moments de rare poésie (salués par le petit public).

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(1) : devinette : je suis italien, peut-être sicilien. Lorsqu'une mission m'est confiée, je reçois un billet d'avion (par exemple pour le Brésil), une grosse somme d'argent (la motié tout de suite, le reste une fois le travail accompli) et une photo (par exemple d'un brésilien). Qui suis-je ?

Pour celles et ceux qui aiment les pâtes à la tomate.

Lise en parle, Camille également. Dépêchez-vous, c'est jusqu'au 11 septembre au Lucernaire.

Pedro Calderón de la Barca de Henao y Riaño (rien que ça !) est donné ici ou là comme le petit cousin espagnol de Shakespeare dont il était presque contemporain.

Écrite en 1635, la vie est un songe est la pièce maîtresse de sa nombreuse production et elle est montée au Théâtre 13 par William Mesguich (le portrait juré de son père !).

La mise en scène de Mesguich est délibérément tapageuse et appuyée : on y trouve mécaniques et machineries, écrans de fumée et de vidéos, cages de verre ou d'acier, à la mode steampunk avec cuirs et ferrailles, façon 1984 ou Dune (le film).

Une esthétique aux allures d'anticipation anachronique qui peut paraître bien loin de l'Espagne du XVII° mais qui colle parfaitement au texte modernisé d'une pièce tout en bruit et en fureur.

Une fois ce parti pris de mise en scène volontiers accepté (BMR a beaucoup aimé, MAM a parfois trouvé cela un peu appuyé), on se laisse aller avec délectation au plaisir de savourer un texte superbe dit de très belle manière.

La pièce (très longue) de Pedro Calderòn a été raccourcie, adaptée et relookée : les acteurs (sans exception) se sont approprié le texte et en maîtrisent parfaitement la diction.

Le message de Pedro Calderòn date de près de 400 ans mais semble aujourd'hui encore, couler de source ...

En 1635⁽¹⁾, Basyle règne sur la Pologne et se pique d'être un roi savant qui sait lire l'avenir dans la course des étoiles.

Dans les astres, il a pu voir de funestes présages à la naissance de son fils Sigismond dont le futur destin sera donc celui d'un tyran régicide et parricide.

Appliquant le désormais bien connu principe de précaution, le roi Basyle, fort de sa (pré-)science, enferme son fils au secret, dès sa plus tendre enfance, tel une Belle au bois dormant, pour éviter à tout le monde (lui, son fils et la Pologne) un funeste destin.

L'intrigue se noue au moment où Basyle décide de libérer Sigismond "pour voir" : curiosité malsaine, remords paternel ou plus sûrement irrépressible soif de "savoir"⁽²⁾ ?

Si cette expérience confirme la violence tyrannique de Sigismond, il sera de nouveau enfermé et on lui fera croire qu'il aura rêvé ses quelques jours de pouvoir : ce n'était qu'un songe.

Qui donc préside à nos destinées⁽³⁾ ? Les astres, l'amour, les hommes eux-mêmes, les dieux ? L'homme savant peut-il en modifier le cours ? Sigismond saura-t-il profiter de sa liberté et donc de son libre-arbitre ?

Mais le principe de précaution est un véritable paradoxe, et pour le roi, avoir enfermé son fils pendant des années était malheureusement le plus sûr moyen de créer le monstre de vengeance qui n'aura de cesse que d'accomplir la sinistre prophétie ...

Un seul petit bémol pour la seconde moitié de la pièce qui semble juste couler de manière un peu moins fluide : c'est peut-être dû aux coupes (nécessaires) effectuées dans le texte original pour faire rentrer la pièce dans les deux heures actuelles (qu'on ne voit guère passer).

Pour le reste ... un texte passionnant et des acteurs qui le maîtrisent parfaitement : tout le plaisir du théâtre !

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(1) : comme en témoigne la date qui s'incruste sur les bandes vidéos qui apparaissent sur scène !

(2) : Basyle-Prométhée joue avec le feu et veut tout à la fois savoir si sa prédiction savante était juste et s'il a réussi à infléchir le cours du destin

(3) : chacun des personnages est marqué au front de l'étoile de son destin ...