Rappel : le blog déménage à cette nouvelle adresse.

Gros coup de cœur pour ce petit film tout simple : Une vie simple, de Ann Hui, une cinéaste de Hong Kong.
Un film tout public, sans chinoiseries, donc facilement accessible, même à ceux qui ne sont pas férus de cinéma asiatique.
Même si ça se passe à Hong-Kong et que l’on peut y découvrir la vie quotidienne de cette lointaine cité.
Une histoire toute simple et universelle :  la vieille Ah Tao est au service de la famille Lee depuis 60 ans. Elle a vue vieillir ou grandir quatre générations et espère bien voir naître la cinquième. Au fil des ans, elle a nourri tout son petit monde.
Et puis au fil des ans, tout ce petit monde est parti émigrer aux US (ils ont tous des prénoms occidentaux : Roger, Sharon, … !) et il ne reste plus que Roger à Hong-Kong.
Puis soudain tout bascule : la vieille Ah Tao est malade (infarctus, …). Elle doit rejoindre une maison de retraite médicalisée.
Roger se retrouve seul et doit apprendre le mode d’emploi de la machine à laver.
Pendant quelques minutes on croit sombrer dans le misérabilisme social⁽²⁾ mais c’est sans compter sur le talent de la cinéaste.
Car Roger est à la fois seul et reconnaissant envers sa Mamie Ah Tao qui l’a quasiment élevé : il va donc régulièrement lui rendre visite.
Une histoire vraiment toute simple.
Mais vraiment un très très beau film, plein d’émotion et de tendresse où l’on attend avec impatience les scènes où l’on retrouve ces deux beaux personnages (et ces deux excellents acteurs, apparemment célèbres à Hong Kong). Leur duo est tout simplement magnifique. On les voit s’éloigner sur le trottoir, quasiment bras dessus bras dessous, tel un joli couple⁽¹⁾.
Beaucoup de non-dits entre eux deux mais des sentiments qui crèvent l’écran au détour d’un regard sous la très belle caméra d’Ann Hui.
Comme il se doit en Chine, beaucoup de choses tournent autour de la nourriture : la vieille Ah Tao faisait la cuisine pour toute la famille et ces dernières années pour le seul Roger. De toute évidence, quand on parle cuisine et nourriture en Chine, on offre quelque chose, quelque chose de soi.
Le plan fixe sur la poêlée de langue de bœuf restera dans nos annales : comment dire autant de choses en fixant ainsi sa caméra sur une casserole !
Ann Hui est une grande artiste et son histoire simple est servie par deux excellents acteurs : saluons au passage la prestation de Andy Lau⁽³⁾ qui donne véritablement corps à cette histoire en “réponse” ou en miroir à sa mamie Ah Tao⁽⁴⁾.
Vraiment, essayez de trouver un ciné ouvert avec Une vie simple encore au menu, pour savourer la cuisine pleine d’émotion d’Ann Hui.

(1) - évidemment aucun sous-entendu dans le film même si le jeune Roger ne semble avoir ni épouse ni même petite amie
(2) -  on vous laisse imaginer l’ambiance d’une maison de retraite surpeuplée de Hong-Kong pour vieilles gens peu valides et peu fortunées (mais on a la même chose ici évidemment)
(3) - le rôle de Ah Tao incarné par Deanie Ip est plus évident, plus facile et bénéficie d’emblée de notre empathie, mais bien sûr cela n’enlève rien au mérite de la dame d’ailleurs couronnée de lauriers
(4) - Deanie Ip serait (dans la vraie vie) la marraine de Andy Lau ! Andy Lau qui endosse le rôle de Roger Lee qui n’est autre que le producteur du film et dont l’histoire a inspiré le scénario !

Pour celles et ceux qui aiment les gens simples.
C’est Le Monde qui en parle le mieux.

Rappel : le blog déménage à cette nouvelle adresse.

Le film de Margarethe von Trotta offre un beau portrait de femme.
Le portrait de Hannah Arendt, philosophe allemande d’origine juive, réfugiée aux États-Unis pendant la guerre et qui “couvrit” le procès d’Adolf Eichmann pour le compte du New-Yorker en 1961.
Le livre qu’elle tira de ce procès fit polémique⁽¹⁾.
Parce que son reportage refusait de diaboliser le bourreau nazi : ce n’était qu’un homme ordinaire qui obéissait aux ordres. Ce n’en était que plus terrible mais les propos de Hannah Arendt furent mal compris et surtout, ne correspondaient pas à l’idéologie sioniste de l’état israélien qui voulait faire de ce procès une tribune à grand spectacle.
Les écrits de Hannah Arendt transcrivaient également des propos tenus lors du procès, propos qui mettaient en cause l’attitude des “conseils juifs” pendant la guerre et leur coopération avec les nazis.
Quand on sait de plus que Hannah Arendt fut la maitresse de Heidegger (avant guerre) et que le bonhomme se montra ensuite moins fin politique que grand philosophe, allant jusqu’à s’inscrire au parti national socialiste, on comprend que la dame fut l’objet d’une vive polémique.
Mais le film est loin de se réduire à cette controverse historico-philosophique, bien au contraire.
L’histoire qui nous est contée est plutôt celle de la naissance d’une pensée, la pensée de Hannah Arendt qui, à l’occasion du procès Eichmann, mit la touche finale à sa philosophie du totalitarisme. Décrivant le processus par lequel ce totalitarisme déshumanise totalement les bourreaux (et les victimes) et au nom duquel les actes les plus horribles  sont commis sans remord, sans morale, sans humanité … La banalité du mal ordinaire. Rien de diabolique là-dedans, malheureusement.
Le film montre (et fort bien) la naissance de cette pensée, le cheminement intellectuel de la dame et bien sûr son opposition à ses détracteurs. Avec ce qu’il faut de suffisance et d’arrogance pour que la pensée d’un individu parvienne à se dresser contre vents et marées. C’est tout simplement passionnant.
Le film, qui reste très classique et presque académique, fait la part belle à Barbara Sukowa qui incarne là une belle figure, féminine et intellectuelle.
On apprécie également l’habile montage avec les images d’archive du procès : le mélange rappelle un peu ce qu’on avait déjà goûté dans le film chilien No.
La seconde partie du film se laisse tirer un peu trop sur la pente de la controverse et de la polémique mais cela ne suffit pas à gâcher ce très bel hymne à la pensée libre et indépendante, seul rempart contre le totalitarisme.

(1) - il est conseillé de (ré)viser un peu avant d’aller voir le film : Wikipédia et Rue89 sont deux saines lectures

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Pour celles et ceux qui aiment réfléchir.

Montreuil c'est quand même de l'autre côté du périph. Alors il aura fallu de bonnes critiques [1] [2] pour nous y emmener (non, pas à Montreuil, faut pas déconner, mais dans un cinoche intra-muros pour voir le film) et puis la réalisatrice Sólveig Anspach qui est islandaise et puis y'a même des acteurs islandais qui causent islandais et puis y'a un phoque. Allez on va voir : The queen of Montreuil.

Et on a bien fait.

Un gentil petit film, bien sympathique et bien loufoque.

Avec en prime, l'excellente actrice qu'est Florence Loiret-Caille (déjà vue dans Je l'aimais et J'attends quelqu'un par exemple).

Cette fois Florence Loiret-Caille tient le premier rôle et joue Agathe qui revient de vacances en Asie (on l'apprend peu à peu) avec l'urne contenant les cendres de son époux décédé dans un accident de tak-tak. À l'aéroport, elle rencontre deux islandais (mère et fils) désemparés par la crise qui secoue leur île. Elles les héberge chez elle, à Montreuil donc.

Une maison baba-cool, façon cour des miracles, avec plein de voisins sympas qui ne demandent qu'à (trop) aider Agathe à faire son deuil. Voilà. Tranche de vie avec plein de personnages sympas⁽¹⁾ qui gravitent autour de notre Agathe qui peine à quitter l'urne de son mari, de ses nouveaux amis islandais et de son phoque.

Il manque un petit quelque chose pour atteindre le coup de coeur : un peu plus de rythme, un peu moins de dispersion peut-être⁽²⁾. Mais on ne s'ennuie pas une minute à suivre les péripéties loufoques de cette bande un peu déjantée jusqu'au bord de mer (bien loin de Montreuil donc !) dans une scène qui rappelle (trop ?) une autre belle histoire, celle de Jacques Gamblin et Sara Forestier dans Le nom des gens, une scène où les phoques auraient remplacé les crabes !

Une gentille rêverie fantaisiste, bien plus réussie que le Conte d'Agnès Jaoui dont on n'avait même rien trouvé à dire ici.

Juste on comprend pas pourquoi Sòlveig Anspach est allé situé son film si loin à Montreuil : y'a tout plein de quartiers sympas dans Paris. Pfff.⁽³⁾

(1) - comme le type de la laverie et surtout le grutier impayable

(2) - les scènes sur la grue sont superbes, certes, mais n'apportent pas grand chose au fil de l'histoire

(3) - bon d'accord, elle vit à Montreuil, ça peut se comprendre

Pour celles et ceux qui aiment Montreuil.

Critikat et Cluny en parlent.

Belle histoire (belles histoires devrais-je dire) que nous raconte Derek Cianfrance (le réalisateur de Blue Valentine).

Belles histoires puisque le film est clairement découpé en trois parties, trois chapitres.

Le premier est celui de Ryan Goslin qui abandonne la voiture de Drive pour la moto.

Plus voyou beau gosse, tu meurs.

Se découvrant soudain père d'un petit garçon auprès d'Eva Mendès qu'il avait abandonnée il y a quelques années (quel con !), il entreprend de laisser tomber la fête foraine (un cirque dans lequel il joue les gladiateurs à moto) pour cambrioler des banques : c'est plus rentable et ça lui permettra de combler son fils de cadeaux.

Enfin, c'est ce qu'il croit. Puisqu'il croisera la route d'un flic.

La seconde histoire est celle du flic, Bradley Cooper. Après avoir joué les héros en stoppant les exploits du bandit à moto, il fricote avec les ripoux de son unité. Mauvais plan pour lui aussi.

Le troisième chapitre enfin, il vous faudra aller au ciné pour le découvrir, on vous le raconte pas.

D'ailleurs on vous a pas dit grand chose car c'est un film à savourer lentement (ça dure quand même près de deux heures et demi, même si on ne s'ennuie pas un instant). Beaucoup de tension⁽¹⁾ mais un rythme qui laisse le temps aux personnages de s'installer et de développer toute leur complexité. Une belle histoire, riche, et très bien racontée : voilà un film original, qui change des montages habituels, et qui s'éloigne de la bande annonce 'polar' qui le précédait.

Chacune des histoires amène une rupture là où on ne l'attendait pas trop⁽²⁾.

Chacune des histoires parle du père : Ryan Goslin n'a pas connu le sien et voudrait bien rattraper le destin quand il découvre son fils, Bradley Cooper négligera le sien (de fils) et aura bien du mal avec son juge de père (ça aide pas quand on fricote avec les ripoux).

Chacune des histoires parle de destinée et des choix qui nous conduisent sur ce chemin qui est le nôtre, même si parfois c'est pour tenter d'en inverser le cours.

Chacune des histoires pourrait tourner autour de cette photo (ci-contre).

Juste on regrette le rythme un peu lent des deux derniers volets, un peu trop longs : après le premier qui est plutôt 100% adrénaline, le film en parait presque déséquilibré.

Un film à savourer.

Saluons au passage le second rôle de Ben Mendelsohn qu'on avait déjà croisé dans Cogan.

(1) - comme la scène de la persquisition par exemple et bien sûr les cambriolages à moto du début

(2) - à commencer par la surprenante issue des courses à moto !

Pour celles et ceux qui aiment les histoires de fils.

Critikat et Cluny en parlent.

Chili, 1988. Sous la pression internationale, Pinochet  tente de se refaire une virginité et une légitimité en organisant au moins un semblant de processus démocratique après quinze ans de dictature.

Ce sera un réferendum (plebiscito) ... qui finira à la De Gaulle.

Pendant quelques petites semaines, l'opposition (le cartel des partis de gauche et centre-gauche) a droit à 15 minutes de télévision. La dictature au pouvoir a droit également à ces mêmes 15 minutes. Plus le reste de la journée.

Si l'on ajoute à cela les traficotages et tripatouillages auxquels on est en droit de s'attendre dans tout scrutin bien organisé ... autant dire que les partisans du No à Pinochet partent battus d'avance.

Au point que la plupart n'entendent profiter de ces 15 minutes d'antenne que comme tribune politique pour dénoncer les exactions du franquisme chilien : enlèvements, tortures, assassinats, disparitions, la liste est longue et aujourd'hui connue.

Pourtant quelques politiciens plus avisés demandent à un jeune publiciste talentueux  (une étoile montante du monde de la pub) de prendre en charge le clip de la campagne du No.

Jusqu'ici le jeune homme se tenait à distance respectueuse et craintive de la politique (son ex- est plus activiste mais se fait arrêter et castagner régulièrement). En faisant vendre des cocas et des micro-ondes, il gagne bien sa vie, roule en superbe fuego et profite du renouveau économique du Chili, réservé à l'élite embourgeoisée.

Mais qu'à cela ne tienne, quand on sait vendre du coca ou des micro-ondes, on sait certainement vendre un réferendum⁽¹⁾.

Et c'est parti ...

C'est parti pour un film très étonnant. Et très fort.

Des images jaunissantes, au format carré ... ça surprend un peu, ça peut même faire fuir mais on aurait bien tort car finalement cela permet un montage très habile et très fluide avec les vraies images de l'époque (dont évidemment les clips de la vraie campagne⁽²⁾). C'est du cinéma 100% réalité : on est totalement immergé dans les années 80.

La première partie du film est passionnante qui raconte la naissance de l'idée : comment va-t-on vendre ce référendum ? Alors que les partis de gauche ne voient que la tribune offerte pour pouvoir enfin dénoncer ce qui doit l'être, dire à la face du monde ce qui doit être dit : l'horreur de la dictature. Mais cela n'est pas très vendeur et aurait plutôt tendance à faire peur et même à inciter à ne pas aller voter, ne pas s'exposer.

Le film est fort et rend bien compte de la chape de plomb qui pesait sur ces années-là : entre la pression policière toujours constante et le souvenir meurtri des années les plus dures de l'oppression.

Le décalage d'ambiance entre ce quotidien sombre et inquiétant et le clip de la campagne du No (Chile ! la Alegria ya viene !) est presque palpable.

La suite est toute aussi stressante, et on a beau connaître le résultat du référendum, on ne peut s'empêcher de s'accrocher à son fauteuil et de frémir à chacune des péripéties de la campagne.

Il faut dire qu'on s'identifie facilement au jeune publiciste qui regarde tout cela d'un air un peu ahuri (la fréquentation des cocas et des micro-ondes est plus reposante) : dévalant les rues de Santiago en skate, il représente la jeune génération chilienne qui aimerait bien tourner la page d'un passé trop sombre, celle d'un présent pas encore net et penser un peu à son futur. Quitte à passer trop rapidement sous silence le noir bilan de la dictature.

Ce jeune publiciste c'est Gael García Bernal que l'on avait déjà beaucoup apprécié dans un autre rôle tout aussi ambigü à l'occasion de Même la pluie.

Entre la tension constante et les images très typées, le film de Pablo Larrain laisse une très forte impression, durable.

Un film très original dans sa forme et passionnant sur le fond.

Alors pour No, nous on dit Oui !

(1) - évidemment depuis, on sait que pub et politique font très bon ménage ! Séguéla et les campagnes présidentielles, c'était aussi dans les années 80

(2) - l'occasion de voir ce cher Jean-Paul II venu apporter son soutien à Pinochet (c'était l'année précédente en 1987 - mais le pape récidivera plus tard)

Pour celles et ceux qui aiment la pub, la politique et l'Histoire.

En guise d'introduction au Chili de cette période, on peut jeter un oeil sur notre billet des Évadés de Santiago.

Critikat en parle.

Encore une petite déception que ce Zaytoun : on espérait un peu mieux de cette cavalcade entre un jeune garçon palestinien et un pilote de l'aviation israélienne.

Le jeune palestinien (Fahed) vit ou plutôt survit dans le camp libanais de Chatila.

Le pilote israélien (Yoni) est abattu au-dessus du Liban et cherche à regagner sa base.

Fahed aussi aimerait bien rentrer chez lui, en Palestine occupée, dans son village où il n'est pas né mais dont son père et son grand-père lui ont rebattu les oreilles ... et où il voudrait bien replanter l'olivier (zaytoun en VO) que son père entretenait religieusement.

Alors Fahed et Yoni font la paire et se font la malle, au prix de quelques invraisemblances rocambolesques⁽¹⁾.

Mais la sauce kebab, même aux olives, ne prend pas⁽²⁾.

Stephen Dorff sait très bien faire le regard étonné mais le fantôme de Sofia Coppola plane somewhere sur son jeu ectoplasmique. Le jeune Abdallah El Akal sait très bien faire le regard buté comme il sied à un mauvais garçon mais qui a bon coeur.

Mais las, le jeune Fahed n'a pas le charme lumineux que Elle Fanning avait dû déployer pour illuminer le film déjà cité, et le spectateur a bien du mal à ne pas faire le regard ennuyé, voire rancunier car on finit par en vouloir à l'israélien Eran Riklis d'avoir gâché cette belle histoire.

Alors ?

Alors on peut quand même aller voir ce petit film, ne serait-ce que pour la première partie qui décrit de façon très réaliste la vie survie des ces palestiniens apatrides dans un Liban déchiré.

Fahed est bien vite orphelin - comme tout bon jeune palestinien qui se respecte - et se débrouille vaille que vaille dans les ruelles post-apocalyptiques de Beyrouth, en tentant d'échapper tantôt aux balles des phalangistes (rappelez-vous), tantôt aux recrutements forcés des milices palestiniennes tout en regardant passer les F16 dans le ciel bleu.

Les généraux de Tsahal seraient bien inspirés de jeter un oeil sur ces images : quand on voit ces palestiniens obnubilés par le retour sur leurs terres, qui enterrent leurs martyrs et embrigadent leurs jeunes, génération après génération, on se dit que les israéliens ne gagneront jamais cette guerre larvée contre un peuple qui a déjà tout perdu.

Mais sans doute que ce conflit n'est fait ni pour être gagné, ni pour être perdu, juste pour durer.

(1) - comme la débauche de moyens déployés par l'ONU pour rapatrier le garçon  !

(2) - hey BMR, c'était hier qu'il fallait publier ce billet, le 5 mars ! pfff....

Pour celles et ceux qui aiment les oliviers.

Critikat en parle et pour une fois on est malheureusement d'accord.

Décidément, la semaine fut riche en petits films coup de coeur : après Hitchcock et Wadjda, voici Goodbye Morocco du cinéaste franco-algérien⁽¹⁾ Nadir Moknèche.

Ce film - qui tient les promesses de sa bande-annonce - est porté par la très remarquable et emblématique Lubna Azabal, actrice belge d'origine hispano-marocaine, qui nous avait déjà scotchés au fauteuil dans le terrible Incendies.

Cette fois-ci, elle compose un beau portrait de femme à la Almodovar (auquel N. Moknèche dédie plusieurs allusions).

Le film de Nadir Moknèche peut, et c'est à son avantage, être regardé comme un polar : beaucoup de scènes sont montées comme les films noirs du siècle dernier avec le cadavre dans le coffre de la bagnole, la femme fatale capable de faire tourner la tête aux hommes, des hommes prêts à commettre les pires bêtises, sachant très bien où elles vont les mener, où Elle va les mener.

L'autre intérêt de ce film, c'est qu'il nous prend systématiquement à contre-pied : Moknèche nous met en scène un Maroc gris, venté et boueux, une ‘héroïne’ qui exploite sans états d'âme des travailleurs noirs sans papiers⁽²⁾, un cinéphile amateur de jeunes mâles⁽³⁾, une bande de fricoteurs qui s'entendent pour barboter des oeuvres archéologiques et un port de Tanger propice aux trafics en tous genres qui manifestement n'a rien d'une station balnéaire.

Bref, un Maroc que tout le monde essaie de fuir, depuis ces travailleurs blacks sans papier qui bossent (ou pire) pour amasser le petit pécule qui leur permettra la traversée, jusqu'à la belle Lubna Azabal qui manigance le kidnapping de son fils pour échapper à son riche et influent ex-mari. Personne n'a donc le beau rôle, même pas Tanger ou le Maroc.

Le film est habilement monté par flash-backs successifs qui nous baladent entre les quelques jours, ou plutôt les quelques nuits, qui ont vu le drame se nouer et cette superposition de temps s'ajoute aux différentes couches narratives : le chantier et le trafic archéologique, la mère et l'enlèvement de l'enfant, le cinéphile amateur de jeunes blacks, le triangle amoureux avec la femme, le chauffeur marocain⁽⁴⁾ et l'amant serbo-croate, le drame meurtrier de la nuit fatale, ... peu à peu, on entre dans la complexité de toute cette histoire et on se laisse prendre par la spirale infernale, sachant que tout cela ne peut évidemment que mal finir évidemment, sachant que tout cela a évidemment déjà mal fini.

Avec le savant équilibre de tous ces niveaux de lecture, Nadir Moknèche nous compose une belle surprise cinéma.

Petit clin d'oeil à nos ami(e)s lyonnais(es) : le musée de Tanger du film n'est autre que le musée gallo-romain de Fourvière.

(1) - le cinéaste est interdit de caméra en Algérie et filme donc en France ou au Maroc

(2) - on est toujours l'arabe de quelqu'un d'autre ...

(3) - on retrouve avec plaisir Grégory Gadebois, le pêcheur d'Angèle et Tony

(4) - mention spéciale pour Faouzi Bensaïdi dans le rôle d'Ali

Pour celles et ceux qui aiment les vacances au Maroc.

Critikat en parle.